Милош Елич. Если музыка популярная, это не значит, что она попса

В рамках Music Hub:Conference на Atlas Weekend саунд-продюсер, композитор, музыкант, участник группы «Океан Ельзи» Милош Елич поведал о роли музыкального продюсера в цифровую эру, а также поделился своими мыслями о современном хит-конвейере и музыкальной магии, которая приходит, когда не ждешь. А я для вас, как всегда, законспектировала. 


История саунд-продюсирования

История саунд-продюсирования начинается с 1877 года, когда Томас Эдисон изобрел граммофон, который уже в начале ХХ века продавался миллионными тиражами. Как и в любом другом бизнесе, когда появляются миллионные продажи, когда начинают крутиться большие деньги, появляется необходимость в профессионале, который сможет довести товар до определенного качества. Качества, с одной стороны – технического, а с другой – чтобы наполнение эстетическое было правильным, и так появилась роль саунд-продюсера. Он назывался тогда «рекорд-продюсер» или просто «продюсер» и это был человек, который решал, кого записывать, как записывать, что там записывать, и влиял на все технические составляющие.

Это профессия на стыке искусства и технологии, то есть сам продюсер – это, с одной стороны, человек, который должен разбираться в музыке, понимать ее, и с другой стороны – должен знать технические возможности, которые есть и отыскивать новые решения, потому что, по сути, технический прогресс, который происходит в музыке, в основном исходит от инженеров и музыкальных продюсеров, у которых есть свои требования для осуществления новых идей.

ХХ век

ХХ век – это было время, когда для того, чтобы записать музыку, надо было прийти обязательно в определенную студию, где было дорогостоящее, высокоточное оборудование, и попасть туда было не так просто: надо было либо заплатить деньги, либо получить определенный контракт. И тут роль музыкального продюсера изменилась: как только появились лейблы, появились люди, которые начали говорить музыкантам, что именно надо играть для того, чтобы были продажи. Один из величайших примеров продюсеров – Джордж Мартин, которого еще называют «пятым Битлз». Он помогал в отборе песен, помогал в создании аранжировок, говорил, что каждый инструмент должен играть, предлагал варианты как это все записать.

Еще в 60-х, конце 50-х произошел один революционный шаг в записи звука – задачей студий, продюсера теперь стало не просто запечатлеть то, что играют артисты, а максимально точно передать то, что звучит в зале и запечатлеть это на носителе. Кажется, что это простая задача, но, поверьте – это очень непросто даже сейчас. А тогда было не легче.

С 60-х годов начали экспериментировать с возможностями студийного звука и появлялись звуки, которые возможны только на записи, они уже были невозможны в живом исполнении, не существовали такие инструменты, которыми это можно делать. Начали появляться эффекты. Для начала это было что-то банальное просто чтобы что-то звучало громче или тише, со временем начали использовать эхо, которое мы слышим сейчас абсолютно в каждой записи, то есть появилась возможность использовать студию не просто как инструмент запечатлеть что-то, а как инструмент творческий и эстетический. Начали использовать такие эффекты как «пленку запустить задом наперед», «наложить и дописать еще что-то» (т.е., сначала пишут один набор инструментов, а потом к нему добавляют другой набор), запускали пленку то медленно, то быстрее, а в зависимости от того, с какой скоростью пленка вращается, звук меняется по высоте. И люди стали понимать, что это тоже очень сильное выразительное средство и им можно пользоваться.

ХХІ век

В цифровую эру существенно поменялось то, что стало возможно у себя дома, та даже у себя в кармане, иметь студию. Существуют определенные аппликации, и у каждого, у кого есть смартфон, – есть микрофон и есть способ записать звук. Если просто чуть-чуть поинтересоваться, то вы найдете там программу, где этот звук можно обрабатывать. По сути, то, что раньше было привилегией и только для некоторых, стало доступно для каждого. С одной стороны – это абсолютно прекрасно, даже со всех сторон это абсолютно прекрасно. Но есть один момент: люди, которые этим пользуются, далеко не всегда понимают все возможности. И второй момент – это эстетическая составляющая: что именно записывать. Как записывать – со временем можно научиться, что именно записывать – тоже со временем можно научиться, но часто роль продюсера существенна именно в выборе песен.

Цифровая эра, по сути, поменяла важную вещь: она сделала запись доступной абсолютно всем. Даже в студии записаться сейчас стоит намного дешевле, чем это было раньше. Чтоб вы понимали, микшерный пульт в студии стоит от $150 000. Его сегодня можно заменить компьютером за $2000, и определенными программами за $7000-8000, в общем если напичкать, то все вместе будет стоить $10 000, т.е. все удешевилось в 15 раз, это сделала цифровая эра.

Прекрасное качество продюсера – понимать, когда просто надо промолчать и дать музыкантам работать. На самом деле, работа с музыкантами – это самая важная составляющая работы продюсера. Работать с железом – можно научиться, но вопрос не в том, как записать, а что именно вы записываете. На начальном этапе, когда выбирается песня роль продюсера – повлиять на артиста, если он понимает, что песню надо делать – надо донести это до артиста, почему так, ведь это мнение одного человека, но это человек, у которого есть немного больше опыта, чем у других, поэтому к нему люди обращаются, обращаются за его вкусом, за его опытом и знаниями.

Продюсер в студии как режиссер на съемочной площадке — это человек, который все держит под контролем и следит за всеми, чтоб запись получилась такой, как все хотели. Для этого очень важно извлекать из музыкантов максимум. Сейчас студия нам дает возможности играть столько раз, сколько мы не хотим, грубо говоря, пока не получится, то есть, если вышел музыкант и у него не получилось – прекрасно, он может попробовать еще раз, и еще 100 раз, или столько раз сколько необходимо для того, чтобы получилось. Роль продюсера не только в понимании того, что получилось или не получилось, а важно наводить музыканта на правильный путь, как надо играть.

Продюсер, с одной стороны, должен понимать хотя бы основы игры на большинстве инструментов, понимать природу инструментов, как извлекается звук, должен понимать, что можно получить и уметь передать это музыканту, который владеет инструментом гораздо лучше, чем он. Должен аргументировать это таким образом, чтоб у музыканта не возникло сомнений, и он смог довериться, послушать, сделать.

В моей карьере продюсера приходилось сталкиваться с тем, что музыкант сам пишет песню, это искренне его песня, потом слушает ее и боится. Боится, что о нем подумают плохо, боится, что назовут «попсой». Вот самое страшное слово для рок-музыканта – это «попса». Если хотите обидеть рок-музыканта, скажите, что его музыка – это попса, поверьте, у вас получится, он обидится точно. Но, если музыка популярная, это не значит, что она попса. Это слово просто надо каким-то образом обозначить.

Есть музыка, которая делается сознательно для того, чтоб максимально быстро продать большое количество копий, делается исключительно для того, чтобы зарабатывать деньги. Она не несет в себе никакой художественной ценности, более того она играет на самых низких чувствах человека. Как правило, там речь идет либо о сексе, либо о самых банальных и простых вещах «ты меня бросил/а» и т.д. Это вещи, которые пользуются клише. Если взять и проанализировать тексты того, что мы называем попса, мы найдем очень много совпадений. В Америке строят целые институты, где изучают, как надо писать текст, чтобы песня была хитовая и творчества там не так много. По сути, они берут пазлы, которые собирают и быстро продают.

Но бывает иногда, что музыка, которая пишется по совершенно другим побуждениям, и где в первую очередь все-таки стояло творчество, доходит до большого количества людей. Более того, все большие музыканты, которых мы помним сейчас, выпускали песни 50 лет назад, и делали это не только ради денег. Я не скажу, что никто из них не отказывался получаться деньги от продажи своих песен, но деньги – это было скорее последствие, это не был изначальный импульс, почему человек занимается творчеством. И поэтому одна из ролей продюсера, объяснить музыканту…, вот мне приходилось говорить: «Вы написали только что песню, которая будет хитовая», мне отвечали: «Ну, она попса». Она не попса, если ее записали не только для того, чтобы заработать денег. «В момент вашего творчества – это было искренне и почему сейчас не хотите ее показать всем, поделиться этим?!», — «А что скажут друзья-музыканты, скажут, что мы спопсились?».

Необходимость публики

Это тоже достаточно важный момент каждому музыканту определиться, чем он по-настоящему хочет заниматься, важна ему публика или нет. Когда я учился в консерватории, на композиторском, я был сторонником того, что публика не нужна. Мне все равно, понравится кому-то то, что я пишу или нет. Мне нравилось самому вариться в своих этих идеях, как-то реализовать их. Единственное, что было важно – это, чтобы мне понравилось.

Потом со временем, изучая литературу, слушая другую музыку, я понимал, что каким бы экстремальным и эксцентричным ни был композитор, он свою публику находил и публика должна существовать. Творчество – это дело между артистом и публикой. Если нет публики – это превращается в какой-то непонятный монолог.

Роль продюсера помочь артисту, который не хочет достучаться до большого количества людей, который просто хочет реализовать свою идею. Бывает так, что он просто не умеет, и это прекрасно. У людей, у которых есть талант, а если человек пишет песни – у него однозначно есть талант, не хватает багажа знаний, есть возможность обратиться к человеку, который может послушать и помочь ему. Раньше каждый был сам за себя, сам должен был писать и понимать все нюансы.

Еще одна важная роль продюсера – это вовремя остановиться. Группа «Океан Ельзи» — это очень опытная группа, там 5 опытных музыкантов: у меня и у нашего гитариста Влады есть опыт продюсирования, Денис Дудко сейчас тоже собирается продюсировать и он уже помогал и участвовал в этом, Денис Глинин знает все, столько раз будучи в студии, он научился все делать, Славик тем более, понимает абсолютно все. Но тем не менее, мы абсолютно всегда берем со стороны одного продюсера, чтоб был человек, который сможет нас рассудить. Кроме того, что мы научились продюсировать, мы еще и научились аргументировать, и когда есть какой-то спор – все правы. Должен быть человек, который скажет: «Все, хватит, вот это мы выбрали, так делаем и так оставляем, остановитесь» — это важно. Гоняться за перфекционизмом, за идеалом – необходимо, нельзя халтурить. Но бывают моменты, когда перфекционизм переходит все границы, и, если нет человека, который все это остановит, так может продолжаться долго.

Музыка от компьютера

Есть еще один плюс цифровой эры – появился YouTube, где люди сами могут всему научиться. Но роль учителя не только рассказать о каком-то знании, а и объяснить, что то, что ты выучил – ты делаешь правильно. Пока что компьютер этого не делает, и он никогда не заменит человека живого. Очень много в нашем деле вещей хаотичных, моментов сиюминутного вдохновения, и компьютер не сможет решить это хорошо или нет. Да, скорее всего, в ближайшее время он сможет писать поп-песни, выберет какой-то алгоритм из поиска групп, что на данный момент больше всего интересует публику, и напишет текст, точно также можно выбрать мелодии, актуальные за последние 30 лет, и написать музыку. Но определить душевность – не сможет.

В музыке всегда есть магия, есть момент, который не поддается рациональному объяснению, почему одна песня продается, а другая – нет. Мы можем анализировать составляющие, частоты, колебания, но все равно не получим этот ответ.

Потому что есть духовность в музыке, есть что-то необъяснимое, то, что мы называем «магия музыки», когда что-то происходит или нет. И роль продюсера в глобальном смысле – научиться самому чувствовать, что это действительно оно и научить других людей, как это можно почувствовать.

Когда происходит запись, продюсер думает о какой-то куче вещей: как звучит этот звук, достаточно это тихо или громко, достаточно ли выразительно…, и бывает момент, что к концу записи понимаешь, что ты не думал все это время, а просто заслушался – это значит, что магия музыки тебя схватила. Это тяжело, это не навык, но когда ты почувствовал в первый раз, что получилось, записалось, эта песня вышла и она понравилась людям, ты получаешь подтверждение, что то, что ты сделал – правильно.

По сути, правильно/неправильно не существует, о вкусах не спорят, и, если роль продюсера сделать музыку максимально массовой и популярной – тогда у продюсера должен быть вкус, который резонирует со вкусом людей, огромным количеством людей. Бывают люди, которым не нравится то, что нравится большинству, такие люди могут быть продюсерами, но результат, который они делают – будет в рамках той эстетики, которая им близка. Я не верю, что любой продюсер может взять любого артиста, любого жанра и с ним сделать очень успешную запись.

Мы не можем быть до конца уверены, пока наше произведение не пройдет тест публики, и самый большой тест для искусства – времени. Если песня, которую ты продюсировал, нравится людям и 10 лет, и 15 лет спустя, значит, ты что-то понял тогда. Любая уверенность может происходить из опыта, из результата. Я не могу сказать, что я понимаю, что песня хорошая, я могу сказать, что я чувствую, что песня хорошая. Это все только на эмоциональном уровне. Бывает музыка, которая интересна рационально – это музыка для музыкантов, и у меня бывает такое. Это интересно, но не цепляет.

Мои 2 совета начинающим музыкантам:

1.Пока вам не понравится песня, написанная под один инструмент – не беритесь за аранжировку.

2. Не тратьте деньги на демо-запись. У всех есть в кармане диктофон – этого достаточно. На репетиционной базе можно найти точку, где будут слышны все детали.

N. Drizitskaya

Добавить комментарий

Ваш e-mail не будет опубликован. Обязательные поля помечены *